© (image de fond) : Alain DOIRE / Bourgogne-Franche-Comté Tourisme
Artistes de Bach à Bacchus
Eriko Takezawa,
En concert le 15 juillet 2022
Eriko Takezawa est née à Hiroshima (Japon) et a étudié en Allemagne avec Naoyuki Taneda et Wolfgang Manz. En 1995, elle a obtenu son diplôme de concert avec distinction et a complété sa formation par des masterclasses auprès de J. Uhde, E. Picht-Axenfeld, D. Kraus et S. Dorenski.
Des prix ont suivi lors de concours internationaux, notamment le premier prix du concours international de piano d'Ostuni (Italie) en 1994. Ce succès l'a amenée à donner de nombreux concerts dans des festivals de musique et sur des scènes de concert en Europe et en Asie, notamment au Schwetzinger Festspiele, au Schleswig-Holstein Musikfestival et au Festival de Lucerne.
Elle est une partenaire enthousiaste de musique de chambre de solistes à vent de renommée internationale, tels que Reinhold Friedrich, Sergio Azzolini, Ingo Goritzki, Renate Greiss-Armin et Thomas Indermühle, ainsi qu'une constante du Mahler Chamber Orchestra. Depuis de nombreuses années, elle est également l'une des accompagnatrices les plus demandées lors de concours et de projets de concerts internationaux.
Reinhold Friedrich,
En concert le 15 juillet 2022
Depuis son succès au concours de l'ARD en 1986, Reinhold Friedrich est invité sur toutes les scènes importantes du monde. Il se produit en tant que soliste à la trompette moderne et historique, dans le monde entier avec de nombreux orchestres renommés tels que le Royal Concertgebouw, les orchestres symphoniques de Bamberg et de Vienne, l'Orchestre Philharmonique de Radio France, le BBC Symphony Orchestra, les Berliner Barock Solisten et la Cappella Andrea Barca sous la direction de Sir Andras Schiff, Reinhard Goebel, Seymon Bychkov, Peter Eötvös, Andris Nelsons, Philippe Herreweghe, Manfred Honeck, Sir George Benjamin et bien d'autres.
Depuis la refondation du Festival d’Orchestre de Lucerne en 2003, il est trompette solo permanent sous la direction de Claudio Abbado, puis après son décès sous celle de Riccardo Chailly, et directeur artistique du Festival d’Orchestres de cuivres de Lucerne. Reinhold Friedrich est professeur de trompette au Conservatoire de Karlsruhe et professeur honoraire à l'Ecole supérieure de musique REINA SOFIA de Madrid.
Just Couz,
En concert le 16 juillet 2022
C'est en 2018 que les deux cousins se rencontrent musicalement.
Animés par la même passion du swing, de la musique de Django Reinhardt et de la culture des gens du voyage, ils décident de former un duo qui portera naturellement le nom de Just Couz.
Serge et Tony travaillent individuellement au travers de rencontres ou de masterclass avec des musiciens confirmés tel que Ludovic Beier (Accordéoniste), ou Sébastien Félix (Guitariste).
Leur répertoire, composé de standard du jazz manouche, rend hommage également à la chanson française avec des titres revisités qu'ils ont l'occasion de jouer sur diverses scènes de la région, lors de concerts ou de festivals.
Fred Nardin Trio,
En concert le 16 juillet 2021
Pianiste prolifique, interprète inspiré, lauréat du Prix Django Reinhardt 2016 de l'Académie du Jazz et artiste nominé aux Victoires du Jazz en 2018, Fred Nardin ne cesse de multiplier les projets. Co-créateur de la grande formation « The Amazing Keystone Big Band », il est également l'un des sidemen le plus sollicité de la scène parisienne actuelle (Sophie Alour, Stefano Di Battista, Jesse Davis, Gael Horellou, Hugo Lippi, Leon Parker, Jacques Schwarz-Bart, Veronica Swift ou encore Cécile McLorin Salvant). Dans son dernier album en leader « Look Ahead », vivement salué par la critique, il choisit de poursuivre sa route avec son trio unique. Accompagné de musiciens d’exception, le contrebassiste suédois Viktor Nyberg et le batteur Romain Sarron, avec qui il partage une complicité sur scène depuis plus quinze ans, Fred Nardin est une des grandes révélations du Jazz Français de ces dernières années.
Agnes Peytour,
En concert le 16 juillet 2022
Après des études au Conservatoire de Nice où elle a obtenu trois premiers prix- prix de harpe, de musique de chambre et de formation musicale, c’est à Bruxelles, au Conservatoire Royal qu’Agnès PEYTOUR a poursuivi sa formation. Ses études ont été couronnées par un Master de harpe et de musique de chambre décernés avec grande distinction et d’un diplôme de pédagogie.
Très jeune, elle a reçu le premier prix du concours « Dans le sillage de Lily Laskine » et s’est classée demi-finaliste du « Concours International Arpista Ludovico » de Madrid.
Sa rencontre avec Germaine LORENZINI, l’un des plus éminentes professeures de harpe a été déterminante. Sa générosité, son engagement, son charisme l’ont confortée dans le choix de sa carrière. Après une brève expérience professionnelle en orchestre (Orchestre Philarmonique de Monte-Carlo, de Liège, Orchestre National de Belgique, Orchestre Royal de Wallonie), elle a choisi la voie de l’enseignement et de la scène. Elle enseigne la harpe à Bruxelles, à l’Ecole Européenne et au Conservatoire d’Anderlecht où elle transmet avec rigueur et passion l’héritage recueilli auprès de ses maîtres.
En 2010, pour promouvoir la harpe, elle crée avec deux harpistes le Concours Harpegio dont le succès ne s’est pas démenti.
Parallèlement, elle a donné de nombreux récitals à Monaco, au Luxembourg, aux Pays-Bas (Amsterdam, Rotterdam, La Haye), en France et en Belgique. Elle a été invitée par les plus grands festivals belges : Festival de Wallonie, Festival Musiq’3, Festival de l’Eté Mosan, Festival des Midis Minimes, Festival des Minimes, Festival de Durbuy, Nuit Musicale de Seneffe.
Duo Canzonet,
En concert le 16 juillet 2022
L’ensemble Canzonet est né de la rencontre organisée entre deux instruments à claviers, associés à des époques bien distinctes : le clavecin et le clavinet. Moins connu que le clavecin, instrument emblématique de la période baroque, le clavinet est un instrument électroacoustique des années 1960 à 1980, pensé comme un clavecin électronique. Dédaigné par les “baroqueux”, ses sonorités rappelant la guitare électrique ont été très appréciées dans le milieu de la funk et du reggae.
Pour notre programme, nous avons opté pour des chants populaires britanniques et français, traditionnels ou plus modernes, que nous avons arrangés selon les divers styles musicaux que le couple clavecin-clavinet peuvent convoquer. Mêler ces deux instruments, c'est associer...: - des musiques instrumentales acoustique et électroacoustique, et les vocalités qui y sont associées - des langages musicaux d'époques très variées - de la musique britannique et de la musique française … grâce à l'unité formelle qui relie ces différentes musiques : couplet-refrain, ostinatos…
Lucile Bailly-Gourévitch est étudiante en chant lyrique à l’ESM Bourgogne Franche-Comté. Attirée par le répertoire baroque et Renaissance aussi bien que par la musique contemporaine, elle se produit en tant que soliste et choriste au sein d’ensembles divers, du chœur d’opéra au quatuor vocal. Des études de langue russe et d’orthophonie lui ont permis d’aiguiser sa sensibilité linguistique. Un groupe de rock, une fanfare, ou un ensemble de jazz vocal entre autres ont contribué à forger la personnalité de cette musicienne toujours en quête de nouvelles découvertes.
Antoine Bonardot est un musicien pluriel : détenteur d’un master de musique ancienne du CNSM de Lyon, il se produit aussi bien au clavier qu’au trombone dans des concerts de reggae, jazz swing, salsa ou en continuo dans des formations plus classiques, et se passionne également pour la MAO. Il est détenteur d’un double DE de formation musicale et musique ancienne, et enseigne actuellement au CRR du Grand Chalon.
Harmonie de Meursault,
En concert le 16 juillet 2022
Composée d’une quarantaine de musiciens venant de différents horizons et dirigée par Nicolas Cardot, l’Harmonie de Meursault est loin de l’effectif habituel d’une structure de ce type et fait donc appel à des arrangeurs comme Nicolas Guyot pour composer ses programmes.
Elle bénéficie aussi de l’encadrement des professeurs de l’Ecole de musique de Meursault, ce qui lui permet d’offrir un cadre dynamique et sympathique pour pratiquer la musique d’ensemble autour de différents styles de musique.
Yves Henry,
En concert le 16 juillet / 19 juillet 2022
En 40 ans de carrière, le pianiste - et murisaltien d’adoption - Yves Henry, a parcouru un chemin exceptionnel dans le monde musical. Ce chemin qui l’a conduit a être aujourd’hui reconnu comme un spécialiste du répertoire romantique a débuté avec sa victoire en 1981 au Concours International Robert Schumann à l’âge de 22 ans. Il est alors le premier pianiste occidental à remporter ce prix dans la ville natale de Schumann (Zwickau), située à l’époque en RDA, derrière le rideau de fer.
Cette affinité avec la musique de Schumann où se mêlent poésie et passion, il la doit tout d’abord à son professeur au conservatoire de Paris, le grand pédagogue Pierre Sancan, élève lui-même de l’immense pianiste schumannien que fut Yves Nat. Yves Henry a hérité de ces illustres aînés un jeu engagé, qui privilégie l’expression des sentiments, un jeu qui « parle » au cœur.
Son autre « mentor », Aldo Ciccolini, avec qui il travaillera trois ans après sa sortie du conservatoire, dira de lui : je fus frappé par l’heureuse rencontre dans son jeu, de deux qualités qui révèlent le pianiste véritable : une extraordinaire aisance instrumentale s’alliant à une remarquable disponibilité en présence des multiples sollicitations du discours musical.
C’est donc en 1981 qu’Yves Henry entre dans la carrière de pianiste, auréolé de ce prestigieux Prix Schumann et bardé de 7 premiers prix obtenus au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris.
Son premier enregistrement paru en 1982 chez Harmonia Mundi sera d’ailleurs consacré à Schumann. Jean Roy écrira à son sujet dans la revue Diapason : Yves Henry trouve toujours le ton juste. La sonorité est belle, et la concentration de la pensée, l’intériorité du sentiment, la sobriété de l’expression sont remarquables. Le jury de la RDA avait été clairvoyant.
En parallèle avec son activité de concertiste, il se consacre aussi à la direction artistique et à la création de festivals, son but étant de partager la musique qu’il aime avec ses amis artistes et avec le public. Dès 1981, il dirige un Septembre musical à Nohant (déjà !), puis en 1982 il crée une Semaine musicale autour du piano dans le cadre du festival du Lubéron. Lorsque en 1986 ce festival décide de se consacrer uniquement au quatuor à cordes, il transfère cette manifestation à Meursault où il crée De Bach à Bacchus, associant musique et grands vins. Pour cette première édition, il fera venir les Solistes de l’Orchestre de Paris, orchestre dont son frère, le violoniste Gilles Henry, fait partie depuis 1978.
En 1995 il devient directeur artistique des Fêtes Romantiques de Nohant. Ce faisant, il accède à la direction d’un festival qui accueille les plus grands artistes depuis 20 ans, mais surtout, il découvre la vie de Chopin à Nohant, de 1839 à 1846, et s’intéresse à ce compositeur qu’il avait un peu délaissé jusque là au profit de Robert Schumann. En étudiant la vie et l’œuvre de Chopin, il découvre le lien étroit entre l’écriture de Chopin et les pianos de Pleyel de son époque. Il se passionne alors pour ce sujet et crée une association pour sauver un Pleyel de 1837 appartenant à la Ville de Croissy sur Seine où il réside.
En 25 ans, Yves Henry est devenu l’un des experts reconnus dans le monde pour l’interprétation informée des œuvres de Chopin sur piano d’époque, essentiellement sur pianos Pleyel des années 1840. Dès 2004, il enregistre et publie les 24 Préludes op. 28 de Chopin dans deux versions : l’une sur le piano Pleyel 1837 de Croissy - restauré entre temps- et l’autre sur piano moderne. Suivront de nombreux autres disques, soit sur instruments modernes dont l’Intégrale en 4 CD des œuvres de Chopin composées à Nohant, soit sur instruments d’époque, dont les derniers, parus en 2020 (Intégrale des Mazurkas sur Pleyel 1837) et en 2022 (Chopin à Nohant, la chambre enchantée sur Pleyel 1839) sont salués par la critique.
Pour autant, Yves Henry ne néglige pas le piano moderne et joue en concert aussi bien sur piano d’époque que sur piano d’aujourd’hui. Il donne aussi de nombreuses masterclasses associant les deux types d’instruments car l’enseignement est pour lui très important et la transmission une valeur primordiale.
Professeur au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris depuis 1999, il donne chaque année des masterclasses dans le monde entier (Yale University, Boston University, Conservatoire central de Pékin, Université des Beaux-Arts à Tokyo, Kunitachi University, Menselssohn Hochschule à Leipzig, etc…).
Son activité en faveur des jeunes artistes ne se manifeste pas seulement dans l’enseignement, mais aussi au travers de la création d‘actions concrètes comme la création du Prix André Boisseaux pour la musique permettant à un jeune artiste de réaliser son premier CD, ou l’Académie des jeunes talents qu’il a créée dans le cadre du Nohant festival Chopin qu’il préside depuis 2011.
Il est membre d’honneur de la Japan Piano Teacher Association, du Conseil d’administration de la Fédération Internationale des Sociétés Chopin à Varsovie. En 2010, il a été élevé au grade d’Officier des Arts et Lettres et a reçu le Gloria Artis de l’état Polonais pour son action autour de l’œuvre de Chopin.
Julien Blanc,
En concert le 16 juillet 2022
Remarqué pour ses interprétations engagées du répertoire contemporain, Julien Blanc a toujours accordé une place particulière aux musiques du XXe et XXIe siècles dans son activité d’interprète.
Intégrant en septembre 2015 le prestigieux cursus de Diplôme d’Artiste Interprète du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, il se perfectionne auprès de grands pianistes et pédagogues français tels que Michel Béroff, Denis Pascal ou encore Florent Boffard.
Constance Taillard,
En concert le 16 juillet 2022
Reçue à 17 ans au Conservatoire de Paris, Constance Taillard achève ses études avec trois masters, en clavecin, orgue et pédagogie. Sa passion et sa curiosité pour cinq siècles de musique la conduisent vers des projets aussi variés qu’ambitieux. Son répertoire soliste court de la Renaissance à la création, dans des récitals pensés sur mesure pour les scènes et festivals qui l’invitent : Philharmonie de Paris, Hôtel des Invalides, Fondation Royaumont, Chapelle royale de Versailles, Mars en Baroque, festivals de La Roque d’Anthéron, des Pianos folies et de La Chaise-Dieu, John Hill Organ Series (Londres), saison Organi Antichi (Bologne), émissions « Génération jeunes interprètes » et « Chambre classique » sur France Musique.
Ses talents de continuiste sont régulièrement sollicités par les plus grands ensembles, tels Les Arts Florissants, Les Musiciens du Louvre, Le Balcon, Le Gabetta Consort ou La Diane Française. Elle se produit sous la direction de William Christie, Paul Agnew, Marc Minkowski, Julien Chauvin, Maxime Pascal, Andrés Gabetta et Stéphanie-Marie Degand. En musique de chambre, elle a pour partenaires Paco Garcia, Rachel Redmond, Harmonie Deschamps, Gabrielle Rubio, Victor Dutot et le Quatuor Zahir.
Gabriel Pidoux,
En concert le 16 juillet 2022
Violoniste jusqu’à ses 7 ans, Gabriel Pidoux décide un jour de se reconvertir et s’affranchir enfin de la tradition familiale des instruments à cordes. Il commence donc le hautbois avec Hélène Devilleneuve, déroule ses études jusqu’au CNSM de Paris dans les classes de Jacques Tys et David Walter, et est nommé ‘Révélation Soliste Instrumental’ de l’année lors des Victoires de la Musique Classique 2020.
Durant ses études, Gabriel est lauréat de plusieurs concours internationaux (IDRS, BeTheOne, Michel Spisak Oboe Competition…) ;il participe à de nombreuses académies avec des professeurs de renom comme Jean-Louis Capezzali ou Maurice Bourgue.
Curieux et intéressé par l’histoire de son instrument, Gabriel s’est aussi perfectionné dans l’étude des hautbois anciens auprès d’Antoine Torunczyk et a co-fondé l’ensemble Sarbacanes, spécialisé dans la musique pour vents sur instruments d’époque, sélectionné par le programme EEEMERGING+ pour se produire dans de nombreux festivals européens.
Kaléïd Brass,
En concert le 17 juillet 2022
Cet ensemble de Cuivres et Percussions d’une vingtaine de jeunes musiciens, sous la direction de Jean-Charles Dunand, a vu le jours au cours d’une semaine de résidence en Juillet 2015. C’est à Meursault que ces musiciens d’orchestres et pédagogues ont le plaisir de se retrouver chaque année pour préparer l'ouverture du festival « Bach à Bacchus ». Au cours de ses résidences, l’Ensemble évolue aussi bien autour d’arrangements issus du répertoire classique, allant de la musique baroque à la musique contemporaine, qu’autour des chefs d’oeuvres pour grand ensemble de cuivres, en passant par le jazz et la musique de films.
Els Biesemans,
En concert le 18 juillet 2022
Els Biesemans est née à Anvers en 1978. Elle étudie le piano, l'orgue et la musique de chambre à l'Institut Lemmens de Louvain (Belgique), où elle obtient son "Master of Music" avec grande distinction. Elle continue ses études à la Schola Cantorum Basiliensis à Bâle où elle se spécialise dans la musique pour clavier des XVIIIe et XIXe siècles, sous la direction de Jesper Christensen.
Son amour pour les instruments historiques s'éveille très tôt. Elle commence à jouer l'orgue à l'âge de sept ans et apprend rapidement à s'adapter aux nouveaux instruments et aux conditions acoustiques changeantes. Cette expérience a aiguisé son oreille et a jeté les bases d'une technique de clavier vivante et complexe, essentielle pour jouer des instruments d'époque.
Els Biesemans remporte des prix lors de plusieurs concours internationaux (Vilnius, Tokyo, Bruges, Montréal, Paris, Prague). Elle se produit dans toute l'Europe, aux Etats-Unis, au Canada et au Japon. Les chanteurs Julian Prégardien, Andreas Wolf, les violonistes Chouchane Siranossian et Mayumi Hirasaki, le violoncelliste Pieter Wispelwey et les orchestres La Cetra ou Cappriccio Basel sont parmi ses partenaires musicaux.
Avec son Ensemble Elsewhere, Els Biesemans n'a cessé d'élargir son répertoire, en ce concentrant en particulier sur la musique tombée dans l'oubli. Ce fait a inspiré le tout premier enregistrement sur CD des sonates pour violon et d'oeuvres pour piano de Franz Xaver Sterkel, ainsi que des enregistrements des oeuvres de Fanny Hensel-Mendelssohn et Franz Liszt sur des pianos historiques. Sa discographie comprend notamment l'intégrale des oeuvres d'orgue de Maurice Duruflé et d'autre oeuvres d'orgues belges et françaises. La virtuose du clavier vit à Zurich avec sa collection d' instruments.
Hans Jörg Mammel,
En concert le 18 juillet 2022
Hans Jörg Mammel a reçu sa première formation musicale dans sa ville natale de Stuttgart et a pris ses premières leçons de chant avec les enfants du Hymnuschor de Stuttgart.
Il a d'abord étudié le droit à Freiburg-im-Breisgau, puis est entré au conservatoire de musique où il a étudié le chant avec Winfried Toll, les professeurs Werner Hollweg et Ingeborg Most. Il a suivi des masterclasses avec Barbara Schlick, Elisabeth Schwarzkopf et James Wagner ainsi qu'avec Reinhard Goebel, pour la pratique d'exécution historique.
Depuis de nombreuses années, il est connu en tant que chanteur de concert en Allemagne et dans les pays voisins. Il a chanté lors de festivals importants à Utrecht, Schwetzingen, Schleswig-Holstein, Jérusalem, Breslau, Bruges et Vienne. Il collabore régulièrement avec des chefs d'orchestre tels que Thomas Hengelbrock, Sigiswald Kuijken, Ivan Fischer, Hans Zender, Daniel Reuss, Hans-Christoph Rademann, Marcus Creed, Philipp Herreweghe, Ivor Bolton, Francois-Xavier Roth et Masaaki Suzuki. Il a participé à la création d'œuvres de Nikolaus Huber, Karl-Heinz Stockhausen et Hans Zender.
Hans Jörg Mammel a chanté avec grand succès le rôle d'Orfeo dans l'opéra du même nom de Monteverdi en Islande. Des contrats d'invité l'ont conduit aux Städtische Bühnen Freiburg (Britten), au Stadttheater Koblenz (Händel), au Staatstheater Darmstadt (Lehar) et au Staatsoper "Unter den Linden" de Berlin (Cavalli). Il a chanté au festival d'opéra de Munich et aux Festwochen de Vienne.
Outre le concert et l'opéra, sa grande passion est le lied. Outre les grands cycles de lieder du romantisme, il s'intéresse particulièrement aux compositeurs de la deuxième école de lieder de Berlin. Dans ses récitals, il présente régulièrement au public des œuvres inconnues de Carl Friedrich Zelter, Johann Friedrich Reichardt, Johann Abraham Peter Schulz ou encore Robert Franz. Nombre de ces œuvres ont également été enregistrées sur CD. Il a attiré une grande attention par son interprétation de "Die schöne Müllerin" de Franz Schubert dans la version pour ténor et guitare, également disponible en CD. Ces dernières années, des CD de lieder ont été publiés avec le "Voyage d'hiver" de Franz Schubert, ainsi que des lieder de Felix Mendelssohn-Bartholdy et de Franz Liszt. Dernièrement, Hans Jörg Mammel a donné des récitals à Francfort, Munich, Stuttgart, Paris, Rouen, Saintes, Besançon, Berlin, Nantes (La folle journée), Tokyo, Varsovie et Feldkirch.
Noé Huchard,
En concert le 19 juillet 2022
Noé Huchard est né le 20 Octobre 1999 en région Parisienne.
Il commence la musique à l'âge de 3 ans et prend ses premières leçons de piano classique. Il grandit en Seine-et-Marne et rentre au conservatoire à l'âge de 6 ans. Il y fera la rencontre de Muzaffar Abdullah, concertiste Malaisien vivant à Paris, qui sera son professeur de piano classique pendant plus de 10 ans.
Cependant, son intérêt pour d'autres musiques, notamment le Jazz et les musiques improvisées, se développe très tôt au contact de son père (le batteur Stéphane Huchard). C'est à l'adolescence que Noé commence à travailler ces musiques, parallèlement à ses études classiques.
Après 3 ans au CRD du Val Maubuée à Noisiel (d'où il sortira avec un DEM mention Très Bien à l'Unanimité avec les Félicitations du jury) puis une année au CRR de Paris (où il étudie notamment avec Paul Lay, Emil Spányi, Pierre Bertrand...), il intègre en 2017 le département jazz du CNSMD de Paris. En juin 2019, Il y obtiendra sa Licence Mention Très Bien à l'Unanimité avec les Félicitations du jury.
David Petrlik,
En concert le 19 juillet 2022
En 2015, David Petrlik obtient son Master au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris avec les félicitations et poursuit sa formation dans le cycle d’excellence « Konzertexamen » à l’Université des Arts de Essen. La même année, il participe à la Seiji Osawa International Music Academy de quatuor à cordes en Suisse, où il côtoie et joue avec des musiciens tels que Pamela Franck, Nobuko Imaï, Sadao Harada et Seiji Ozawa, son fondateur.
L’année 2016 est une étape importante dans sa jeune carrière : David est sélectionné par Gidon Kremer pour participer au programme « Chamber music connects the world » et joue avec Steven Isserlis, Christian Tetzlaff et Gidon Kremer.
Parallèlement à ses études, David remporte des premiers prix aux Concours Internationaux Kocian (Répuplique Tchèque), Flame (Paris), il est lauréat du concours Jasha Heifetz (Lituanie), Ginette Neveu (France), avec, à deux reprises, le prix du public, ainsi que du concours en Italie Rodolfo Lipizer, où il obtient le prix spécial pour la pièce virtuose. En 2017 David est lauréat du concours Felix Mendelssohn à Berlin et du prix "André Hoffmann" pour la meilleure interprétation de la pièce de M. Toshio Hosokawa avec Alexandre Kantorow au Festival "Les Sommets Musicaux de Gstaad". David est aussi le lauréat de la Fondation Safran, de l’Adami et de la bourse Huguet-Bourgeois de la Fondation de France. Il vient récemment d’être nommé « Génération Spedidam ».
Ivan Karizna,
En concert le 19 juillet 2022
Le violoncelliste français Ivan Karizna est lauréat des concours Tchaïkovsky, Suggia, Reine Elisabeth. Sa virtuosité exceptionnelle se nourrit d'une joie incandescente. Ivan Karizna est un violoncelliste français né en 1992 à Minsk dans une famille de musiciens. Il prend ses premières leçons de violoncelle avec Vladimir Perlin à l'âge de sept ans. A 17 ans, il intègre la classe de Jerôme Pernoo au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris.
A 19 ans, Ivan Karizna remporte le 3ème Prix du concours international Tchaïkovsky (2011).
Il est lauréat au total de 9 concours internationaux, dont le Prix Suggia à Porto (2013), le 1er Prix du concours Società Umanitaria à Milan (2015) et le 1er Prix du concours Luis Sigall au Chili (2016). En 2017, il est ovationné au concours Reine Elisabeth où il obtient le 5ème Prix assorti d'un double Prix du Public.
Le jeune violoncelliste se produit en soliste en France, en Belgique, aux Etats-Unis, en Allemagne, en Angleterre, en Italie, au Japon, aux Pays-Bas, en Israël, en Slovénie, en Chine, en Russie, en Argentine, en Grèce… Ivan Karizna joue régulièrement avec des chefs d’orchestre tels que Valery Gergiev, Ion Marin, Mikhail Jurowsky et Vladimir Spivakov. Il a acquis une réputation internationale et s'est produit sur tous les continents, dans les salles les plus prestigieuses : le Concertgebouw à Amsterdam, le Konzerthaus à Berlin, la Salle Pleyel, la Philharmonie de Paris, le Palais des Bozar à Bruxelles, le Benaroya Hall à Seattle aux États-Unis... Il a joué avec de nombreux orchestres de renom, notamment l'Orchestre symphonique du Théâtre Mariinsky, l'Orchestre philharmonique de Saint-Pétersbourg, l'Orchestre philharmonique de Strasbourg, l'Orchestre de Paris, l'Orchestre Symphonique de Bretagne, l'Orchestre symphonique de Jalisco au Mexique, entre autres.